El xilófono utiliza tanto la técnica de tambor afinable como la avanzada de mazos.
El xilófono tiene un tono más vivo que su primo, la marimba, y las notas se sostienen menos. Los xilófonos modernos incluyen láminas de percusión cortas. Un xilófono con un registro más bajo que el registro de la marimba se llama xilorimba.
Cuando el xilófono está destinado para aplicar el método Orff se montan en una caja acústica de madera de forma rectangular.
Usualmente hay tres tipos de xilófonos:
bajo,
alto y
soprano
con una escala y media cada uno. Como su nombre indica, se montan láminas de madera (xilo) preferentemente de palosanto.
El xilófono posee una gran relevancia en un número de piezas clásicas. Algunas de las más conocidas son la Danse macabre (1874) compuesta por Camille Saint-Saëns y «Fósiles» de Carnival of the Animals (1886) del mismo compositor. También se puede escuchar en la Sinfonía Nº. 6 de Gustav Mahler.
Funciones
Es un instrumento de percusión. El recurso más utilizado para el xilófono es el trémolo, que se obtiene percutiendo alternativamente con ambas baquetas sobre una misma lámina. El xilófono requiere un gran virtuosismo por parte del percusionista. Su técnica actual es muy compleja y precisa de un gran especialista. Su papel en la actual orquesta no es el de ofrecer un toque exótico a la obra, sino que es un timbre independiente y muy importante dentro del desarrollo orquestal.
Las campanas tubulares son un instrumento musical, en concreto, se trata de un idiófonopercutido de metal. Se llaman campanas tubulares porque, de hecho, su sonido es similar al de las grandes campanas de las iglesias. Su invención fue un modo de evitar llevar las grandes y poco prácticas campanas originales a la orquesta.
Las campanas tubulares son dieciocho tubos metálicos (de cobre o latón) huecos que están suspendidos de un armazón. Estos tubos se percuten con uno o dos mazos. El tubo siempre es golpeado en su sección superior. Para detener el sonido se usa o una barra o un pedal.
Sus primeros usos fueron dados en el siglo XIX, cuando en las operas se necesitaba el sonido de campanas de iglesias. Otra obra que les daría uso y que sería de más fama fue la Obertura 1812 de Tchaikovsky, cuando en el climax estas se utilizan para representar a las campanas de las iglesias proclamando que se ha ganado la guerra contra Francia. Mike Oldfield las haría famosas en el siglo XX con su Tubular Bells de 1973. La producción de este instrumento se disparó, dada la demanda que se generó por parte de coleccionistas y otros artistas, que incluyeron el invento en muchas creaciones posteriores.
Rango
Su rango básico va desde el do central del piano hasta el sol una octava más aguda. No obstante, hay modelos grandes que bajan hasta el la e incluso sol y suben hasta el do dos octava más agudos.
El vibráfono, también llamado en inglés como vibraharp o simplemente vibes, es un instrumento musical de la familia de percusión.
Es un laminófono similar al xilófono, pero las láminas son de aleación de aluminio, en lugar, de madera. Estas láminas son percutidas con baquetas con cabeza de hilo o lana. El ejecutante cuenta con baquetas de diferentes tamaños y materiales que le permiten obtener diferentes sonidos. Por ejemplo, los tonos más dulces se obtienen usando baquetas delgadas de cabeza blanda.
El vibráfono es un instrumento de sonido determinado pues permite obtener notas musicales de una altura determinada. Incluso se pueden generar acordes, si se percuten varias láminas usando de dos a cuatro baquetas.
El instrumento moderno y estándar tiene tres octavas, aunque hay luthiers que fabrican vibráfonos que alcanzan las cuatro octavas. Las láminas están ordenadas como en un piano, con dos teclados: uno para las notas naturales y otro para las notas alteradas. Entre los dos teclados se encuentra el mecanismo del pedal.
Debajo de cada lámina hay un resonador: un tubo resonante de aluminio, fibra o bronce que está afinado de acuerdo al tono de la lámina que se encuentra sobre éste. La afinación se establece mediante la colocación de un tapón en el extremo inferior de cada tubo.
El vibráfono debe su nombre a un mecanismo que proporciona un vibrato: entre los tubos resonadores y las láminas hay una serie de discos enlazados entre sí por un eje. Hay un disco para cada tubo y el eje es accionado por un motor eléctrico. La rotación de los discos hace que los tubos se abran y cierren parcialmente, varias veces por minuto, lo que provoca un efecto de trémolo (una oscilación en el volumen sonoro) que es en la mayoría de los casos, regulable en velocidad.
Además de este mecanismo, el vibráfono posee un sistema de pedal con efectos similares al del pedal de un piano: entre las dos corridas de láminas hay una barra metálica cubierta con fieltro que está sujeta a presión por uno o más resortes. La presión ejercida sobre las láminas hace que éstas suenen apagado y su sonido sea muy corto. Cuando el pedal es presionado, la barra se despega de las láminas y éstas quedan suspendidas, por lo que pueden vibrar libremente. La duración del sonido de una lámina con el pedal presionado puede oscilar entre los 8 a los 20 segundos, dependiendo de la calidad del instrumento.
Historia
Es similar en apariencia al xilófono, marimba y el glockenspiel, aunque el vibráfono utiliza aluminio en lugar de las barras de madera de los dos primeros instrumentos. Cada barra está emparejada con un tubo resonador, y con un motor que gira unas aspas montadas sobre un eje común, que produce un efecto de vibrato o trémolo mientras giran. El vibráfono también tiene un pedal de sustain similar a la utilizada en un piano: Cuando el pedal está para arriba, las barras son amortiguadas y el sonido de cada barra es bastante corto, con el pedal hacia abajo, que sonará durante varios segundos. Los usos comunes de la mayoría de los vibráfonos se encuentran dentro de la música jazz, donde a menudo desempeña un papel destacado, y como un componente normal de la sección de percusión.
El primer instrumento musical llamado "vibráfono" fue comercializado por la Compañía Manufacturera Leedy en Estados Unidos en 1921. Sin embargo, este instrumento difería en los detalles significativos del instrumento que ahora se llama vibráfono. El vibráfono Leedy alcanzo un grado de popularidad después de haber sido utilizados en las grabaciones de " 'Aloha Oe "y" Gypsy Love Song "de vaudeville .
Fue en la antigua sede de JC Deagan, Inc. en Chicago, donde Henry Schluter inventó el vibráfono. Ahora (2008) es la casa de instrumentos Century Mallet . Esta popularidad llevó a JC Deagan, Inc. en 1927 a pedir a Henry Schluter, desarrollar un instrumento similar. Sin embargo, Schluter no se limitó a copiar el diseño Leedy, sino que introdujo varias mejoras importantes: hacer las barras de aluminio en lugar de acero, y de un tono básico de forma más "suave”, además de ajustes a las dimensiones y el ajuste de las barras para eliminar los armónicos disonantes en el diseño Leedy (para mayor maduración del tono), y la introducción de una barra de amortiguador controlado por un pedal de pie, lo que le permite ser ejecutado con más expresión. El diseño Schluter era más popular que el diseño Leedy, y se ha convertido en la plantilla para todos los vibráfonos de hoy. Sin embargo, cuando Deagan comenzó a comercializar el instrumento Schluter, en 1928, lo llamaron el VIBRAHARP. Como su popularidad crecía, otros fabricantes comenzaron a producir instrumentos basados en el diseño de Schluter, comercializado bajo una variedad de nombres, incluyendo Leedy, que había comercializado su nuevo instrumento como el vibráfono y abandonaron su antiguo diseño.
La confusión del nombre, continua hasta el presente, pero con el tiempo se convirtió en vibráfono, significativamente más popular que vibraharp. En 1974, en el Directory of the D.C. Federation of Musicians figuraban 39 vibráfonistas y 3 músicos de vibraharp. A partir de 2008, el término vibraharp desapareció, excepto para uso anacrónico. A menudo, el vibráfono se acorta a "vibes” y los dos términos se utilizan indistintamente. El propósito inicial del vibráfono fue agregarlo al gran arsenal de sonidos de percusión utilizado por grandes orquestas. Este uso fue rápidamente abrumado en el 1930 por su desarrollo en el jazz. En la actualidad, sigue siendo fundamentalmente, aunque no exclusivamente, un instrumento de jazz.
La popularidad del vibráfono como instrumento de jazz en primer lugar se puede acreditar a un hombre: Lionel Hampton . La historia, quizás apócrifa, es que "Hamp", un baterista en ese momento, estaba tocando en la NBC Radio estudios, y ahí fue donde descubrió un vibráfono que se mantenía a la mano para tocar el tema musical que identificaba a la cadena NBC, el " NBC bells ". Después del concierto, el dedicó una cantidad considerable de tiempo a explorar el instrumento, y se enamoró de él. Más tarde (16 de octubre de 1930), Hampton estaba grabando con Louis Armstrong y su Sebastian New Cotton Club Orchestra, y en el estudio estaban trabajando en el paso de tener un vibráfono. Hampton mostró a Armstrong lo que podía hacer, y decidió añadir vibras a uno de los temas que estaban programados para grabar, " Memories of You ", creando la conocida primera grabación de jazz con el vibráfono. Después de esto, Hampton decidió concentrarse en el vibráfono, finalmente unirse al Benny Goodman Quintet, y más tarde al frente de su propia big band, el logro de una gran popularidad.
Fabricantes
El primer fabricante de vibráfono en la configuración moderna fue JC Deagan, Inc., de Chicago, Illinois , Estados Unidos, no obstante se llamaran vibraharps . Como el mercado para vibráfono se comprobó, en primer lugar como un instrumento novedoso de vodevil y luego como un instrumento de jazz, varios fabricantes intervinieron para cubrir la demanda. Estos incluyeron la Leedy Manufacturing Company, de Indianápolis, Indiana , que conservó el nombre de su producto vibráfono , pero abandonó su diseño en favor de las innovaciones de Schluter innovaciones, y la Compañía Jenco, de Decatur, Illinois , que inicialmente comercializo sus instrumentos como "vibrabells ". Fuera de los Estados Unidos, la empresa Premier de Londres , Reino Unido, después de experimentar con una variedad de instrumentos más estrechamente relacionados con el glockenspiel que fueron llamados variaciones de "harpaphone", optó por producir el modelo del vibráfono que Schluter diseñó. Bergerault, de Ligueil, Francia también comenzó vibráfonos de fabricación en la década de 1930. A lo largo de los años 1930 y 1940, cada fabricante, hacia sus modelos con sus diferentes especialidades, pero el vibráfono Deagan fue el modelo preferido por muchos músicos de la clase emergente de jazz profesionales. Deagan llego a acuerdos de patrocinio con muchos de los protagonistas, incluidos Lionel Hampton y Milt Jackson .
En 1948, la Compañía Musser fue fundada por Claire Omar Musser. Fue un consumado músico de marimba y xilófono que salía frecuentemente de gira por Estados Unidos y Europa. Él aplicó su experiencia y observaciones con los diseños actuales de los instrumentos de mazo para su empresa homónima y el resultado fue una línea de alta calidad de los instrumentos. Su vibráfono surgió en calidad comparables al vibráfono Musser Deagan y fue capaz de obtener una participación en el mercado de gama alta. La década de 1960 y 1970 vio una sacudida en el mercado de vibráfonos. Leedy Jenco dejó de funcionar; Deagan fue comprado por la Corporación Yamaha . Aunque Yamaha aprovecha los conocimientos de Deagan para mejorar sus propios diseños para el vibráfono, se suspendió el uso del nombre y el legado de instrumentos Deagan,y a partir de 2008, ningún rastro de Deagan es visible, a pesar de que Yamaha continúa utilizando el nombre Deagan para una línea de las campanas de la orquesta y los carillones. La compañía Musser fue comprada por primera vez por Ludwig Drums y, a continuación, a través de Ludwig, fue comprado por Conn-Selmer , Inc. A diferencia de la suerte de Deagan, la marca Musser y línea de modelos fueron retenidos por las sociedades compradoras, y siguen siendo el vibráfono Musser el principal vibráfono vigente en el mercado. Este período también vio el surgimiento de nuevos fabricantes de vibráfonos. Empresas notables incluyen Instrumentos Musicales Adams de Ittervoort, La Netherland y Ross Mallet Instruments, ahora propiedad de Júpiter Instruments de Austin, Texas , Estados Unidos. A partir de 2008, el mercado del vibráfono está muy activo, considerando la naturaleza de la especialidad del instrumento. Los principales actores son Musser, Yamaha, Adams y Ross. Bergerault, Premier, Studio 49 desde Gräfelfing , Alemania y el Saito Gakki Company de Japón continuan en operación. Además de los productores en masa de vibráfonos, los fabricantes de encargo, en particular vanderPlas percusión de los Países Bajos, también están activas.
Alcance
El instrumento moderno estándar tiene un rango de tres octavas , desde el F por debajo de C media (F3 a F6 en el campo de la notación científica ). Modelos grandes de tres y medio o cuatro octavas, desde la C por debajo del Do central también se están volviendo más comunes (C3 a F6 o C7). A diferencia de su primo, el xilófono, es un instrumento de no transposición, generalmente escrito en tono de concierto. Sin embargo, a veces algunos compositores (por ejemplo, Olivier Messiaen ) escribe las partes para que suenen una octava más alta. En la década de 1930 varios fabricantes han hecho soprano-vibráfono con una gama C4-C7, en particular la Ludwig & Ludwig B110 modelo y el modelo Deagan 144. Deagan también, con un modelo portátil que tenía un rango de 1 / 2 hasta 2 octavas, y resonadores de cartón .
Construcción
Los principales componentes de un vibráfono son los barras, los resonadores, cojín amortiguador, el motor y un marco para mantener todo junto. El Vibráfono se toca generalmente con los mazos.
Barras
Las barras están hechas de aluminio, que es la manera más obvia de distinguir un vibráfono de los otros miembros de la familia de percusiones. Se obtienen normalmente de las normas técnicas de los proveedores comerciales. Por ejemplo, Musser ha utilizado el producto 2024-T4 # de Alcoa . Las diferentes aleaciones de aluminio tienen características tonales ligeramente diferentes. Los fabricantes deben elegir su aleación preferida con cuidado, equilibrando las características tonales con la posibilidad de obtener un suministro a largo plazo. El aluminio se compra en barras largas de la anchura deseada y espesor, y se corta en la longitud adecuada. A continuación, se taladran agujeros a través de la anchura de las barras en los dos puntos llamados "nodales". Los puntos nodales son los puntos cerca de los extremos de la barra, cuando las vibraciones fundamentales como ondas de una barra de sonido causa poco o ningún movimiento de la propia barra. Para una barra uniforme, los puntos nodales se encuentran 22,4% de cada extremo de la barra. Una vez que la barra ha obtenido su forma básica, debe ser ajustado con precisión. Normalmente, las dimensiones y tolerancias de la barra de proceso de creación inicial se establecen para crear una barra ligeramente picante. Si la barra es plana, su estructura general puede ser echada planteadas por extraer materiales de los extremos de la barra. Una vez que esta barra ligeramente afila, los tonos individuales se puede ajustar más planas mediante la eliminación de material procedente de lugares específicos de la barra.
Vibráfonos con barras graduadas (primer plano) y sin graduar (fondo) . Los vibráfonos de calidad se han "graduado" las barras. Es decir, las barras inferiores son más anchas que las barras superiores, graduándose a través de una serie de medidas de disminución de la anchura. Esto ayuda a equilibrar el volumen del instrumento en toda la gama. bares Vibráfono puede venir en una variedad de colores, generalmente de plata o de oro, pero otros colores están disponibles, creado por anodización las barras después de puesta a punto. Esto no tiene ningún efecto sobre el tono de las barras. Los bares también está disponible en acabado brillo o mate. Algunos sostienen que hay diferencias tonales, debido al acabado.
Resonadores
Los resonadores son tubos de paredes delgadas, generalmente de aluminio, pero cualquier material adecuado sirve. Están abiertos en un extremo y cerrado por el otro. Cada barra está emparejado con un resonador, cuyo diámetro es ligeramente mayor que el ancho de la barra, y cuya longitud es el cierre de un cuarto de la longitud de onda de la frecuencia fundamental de la barra. El resonador de A3 (de menor a la A en un vibráfono) es de aproximadamente 15 pulgadas de largo. [4] Cuando la barra y el resonador están bien en sintonía uno con el otro, la vibración del aire por debajo de la barra de baja por el resonador y se refleja en el cierre en la parte inferior, a continuación, vuelve de nuevo a la parte superior y se refleja de vuelta por el bar, una y otra vez, creando una onda estacionaria mucho más fuerte y amplifica la frecuencia fundamental. Los resonadores, además de elevar el extremo superior del rango dinámico de vibráfono, también afectan el tono general del vibráfono, ya que amplifican la fundamental, pero no los parciales superiores.
Si se observa la diferencia en los conjuntos de resonadores delante de los dos vibráfonos, la diferencia es puramente cosmética. En el vibráfono de Locke, los resonadores son sólo el largo que necesitan ser. El vibráfono Hutcherson, los resonadores en el extremo superior son mucho más largos de lo necesario para ser producir un arco frontal como se ve en muchos instrumentos (y la tapa se encuentra cerca de la parte superior de los tubos). Ambos instrumentos incluyen tubos resonadores no funcionales con ninguna barra de arriba para evitar que corresponde una mirada desdentada. Hay un equilibrio entre el efecto amplificador de los resonadores y la duración de la sostenibilidad de una barra. Básicamente, toda la energía de sonido en una barra proviene del golpe inicial del mazo, y que la energía puede ir a hacer la barra de anillo sea más fuerte al principio, o no tan fuerte pero más lento. Esto no es un problema con marimbas y xilófonos, donde el sustento natural tiempo de las barras de madera, es corto, pero barras de vibráfono puede sonar durante muchos segundos después de ser golpeada, y este efecto es muy deseable en muchas circunstancias. Por lo tanto los resonadores en un vibráfono suelen ser sintonizado a estar ligeramente desviado de paso para crear un equilibrio entre la sonoridad y el sustain. [6] Otra diferencia en resonadores es la presencia de un disco giratorio en la parte superior de cada resonador. Los discos para un grupo de resonadores acoplados a un solo eje son movidos en conjunto por un motor eléctrico. Cuando los discos están abiertos (posición vertical) los resonadores tienen una función completa. Cuando los discos están cerradas (en posición horizontal) la columna de aire vibrante está bloqueado, lo que reduce el efecto de amplificación. Como los discos giran, esto varía la amplitud del instrumento, creando un efecto . Algunos sostienen que llamar a este efecto vibrato es incorrecta, diciendo que el vibrato es una variación en el tono, no de amplitud. El término correcto debería ser el trémolo, una variación en la amplitud, y por lo tanto el vibráfono se denomina incorrectamente, sino que debe ser llamado un Tremolofono. Otros sostienen que el uso común de vibrato y trémolo es ni de lejos tan preciso, incluso entre los músicos con experiencia que seguramente deben saber mejor. Podría decirse que, como el instrumento no se llama un vibratofono, la metáfora de la vibración no se estira demasiado de todos modos. Además, en este contexto, es la consideración adicional de que las placas de rotación interfieren con los frentes de onda en los tubos resonadores al causar variaciones del efecto doppler de paso. Esto puede ser observado usando un osciloscopio.
Cojín amortiguador
El cojín amortiguador es una franja de madera cubierta de felpa ,al igual que en el piano, por lo general alrededor de una pulgada de ancho y profundo, que corre por la mitad del vibráfono. Se inserta en las bisagras en los extremos, y un pedal en el medio. Cuando el pedal está para arriba, las almohadillas de amortiguación hacen contacto con las barras y Cuando se pise el pedal, la barra de amortiguacion se tira hacia abajo, permitiendo que las barras suenen libremente. El cojín amortiguador es la fuente de muchos problemas de mantenimiento para los vibráfonistas. La plataforma debe estar perfectamente nivelado, tanto de izquierda a derecha y de adelante hacia atrás, para tomar contacto con todas las barras de forma simultánea. Cuando no está a nivel, algunas barras dejarán de sonar antes de que otros, lo que dificulta la articulación de manera limpia. Después de algunos años de uso, las barras pueden hacer muescas, comprimiendo el fieltro y causando a veces zumbido como el contacto leve de la almohadilla en las barras. Además, cuando las barras son golpeados, mientras que el cojín amortiguador está para arriba, la almohadilla puede transferir la fuerza del impacto en el marco, sacudiendo todo lo que está suelto. A principios de 1990, el vibrafonista John Mark Piper diseño un nuevo vibráfono Musser que, entre otras innovaciones, incluyo un cojín amortiguador lleno de agua. Más tarde esa década, el vibráfono fabricante Nico van der Plas mejora en la idea mediante el uso de silicona en gel como el relleno. Estas almohadillas eliminan la transferencia de impacto y proporcionar más durabilidad. Muchos vibráfonos han sido adaptados con almohadillas de gel, aunque la gran mayoría de los vibráfonos todavía utilizan amortiguadores.
Por lo general tienen un motor eléctrico y polea montada en un lado u otro para conducir los discos de los resonadores. El uso de los motores es hacer girar las aspas que están en el interior de los resonadores. En aquel entonces había poca o ninguna capacidad de ajuste de velocidad. Cualquiera que sea posible ajuste de velocidad se hicieron al mover la correa de transmisión entre un pequeño número de poleas (normalmente tres) de diferentes diámetros. Más tarde, los motores CA de velocidad variable se instalaron a disposición con precios razonables. Estos motores permiten el ajuste de la velocidad de rotación a través de un potenciómetro montado en un panel de control cerca del motor. Por lo general las tasas de rotación de apoyo son alrededor de 1 Hz hasta alrededor de una docena Hz. Estos motores sigue siendo la solución preferida hasta la década de 1990, y hasta el día de hoy sigue siendo el más utilizado. Durante la década de 1990, algunos fabricantes comenzaron a usar motores servo controlado por ordenador. Estos motores permiten velocidades de rotación tan lenta que se acercan a 0 Hz. El control de la computadora también permite que las operaciones que no son posibles con un motor analógico, como la capacidad de sincronizar la rotación de los dos conjuntos resonador y detener la rotación en un estado deseado (todos abiertos, cerrados, abiertos todos los media, etc) .
El marco del vibráfono ofrece una serie de retos a los diseñadores. Debe ser lo suficientemente resistente para soportar las fuerzas de torsión creada por el amortiguador / resorte / pedales y los esfuerzos repetidos de transporte y de uso, sin dejar de ser lo suficientemente ligero para un fácil transporte. Además, las barras deben estar firmemente sujeto al chasis, pero no rígidas. Cada barra debe tener un poco de orden en flexión independiente a sonar. marcos Vibráfono constará de dos bloques de extremo, de metal, madera o una combinación, unida por los miembros de apoyo. Por lo general, los bloques de extremo son aproximadamente del mismo tamaño que los dos bares que están en el mismo fin, por lo que un bloque es significativamente más grande que el otro. El motor está fijado a la estructura en un extremo. Las bisagras de la barra de amortiguador se adjuntan en cada extremo, y la asamblea de primavera y el pedal suelen insertarse en el medio. Dos bancos de tubos resonadores se establecen en las ranuras en el marco de modo que se sitúan en el bar del amortiguador. Los resonadores no están bien adheridas al marco. Los extremos de los ejes que la banda de los discos se sujeta a la unidad del motor a través de una correa de transmisión similar a una junta tórica. Una cama para las barras se hace mediante la fijación de cuatro carriles de madera en espigas en los bloques de extremo. Al igual que los resonadores, estos carriles no están firmemente unidos a la estructura. Cada tren tiene una serie de pines con separadores de goma que apoyará las barras. Las barras están dispuestas en dos grupos, y una cuerda suave se pasa a través de los orificios nodal en las barras de cada grupo. Las barras se colocan entre las patillas de apoyo, con el cable de conectar las clavijas. Los pines en los carriles exteriores tienen forma de U, ganchos y la cuerda sólo descansa en la curva. Los pines en su interior tienen un gancho que sujeta el cable y tiene las barras en su lugar contra la fuerza de la almohadilla del amortiguador. Los dos extremos del cable se unen con un resorte en un extremo para proporcionar la tensión y flexión. Las dos filas de barras siguen la convención de piano de teclas en blanco y negro, con la fila más cercana al jugador correspondiente a las teclas blancas. Al igual que con el piano, las notas más bajas están a la izquierda del jugador. A diferencia de la marimba y el xilófono, las dos filas de barras se encuentran en el mismo plano horizontal para que la barra del amortiguador entren en contacto con las dos filas, al mismo tiempo. Marcos vienen en una variedad de estilos, desde funcional a ornamentado, pero, a excepción de forma negativa a través de vibraciones y ruidos, que en realidad no contribuyen a las cualidades tonales del vibráfono. Algunos marcos permiten la distancia entre las barras y los resonadores que deben ajustarse, para compensar las variaciones en la temperatura del aire, presión y humedad que cambiar la velocidad del sonido y por lo tanto la afinación de la barra de sistema de caja de resonancia, pero esto es más común en las marimbas de vibráfonos. Otros marcos permiten el ajuste de la altura de la cama bar. Es común ver a los jugadores que no tienen esta capacidad inclinados sobre sus instrumentos, mientras juegan en la altura reglamentaria de los marcos no ajustable suele ser demasiado baja para los hombres de estatura mediana.
Los mazos suelen consistir en un núcleo de pelota de goma envuelta en hilo o cordón y unido a un palo delgado, más comúnmente hechos de bejuco o abedul (otras materias, como el nylon, se utilizan algunas veces) son los adecuados para el vibráfono también en general, y para la marimba.
Los mazos utilizados pueden tener un gran efecto sobre las características tonales del sonido producido, que van desde un sonido metálico de golpe duro, a un sonido suave sin ataque inicial . En consecuencia, una gran variedad de mazos está disponible, ofreciendo variaciones en la dureza, tamaño, peso, longitud del eje y la flexibilidad. los músicos deben llevar y usar por lo general, una amplia gama de tipos de mazo para dar cabida a las demandas cambiantes de los compositores que buscan sonidos particulares. los músicos de jazz, en cambio escojen un mazo de propósito general del tipo único que funciona bien en todos los rangos dinámicos. A menudo esta elección se convierte en uno de los elementos que definen el estilo personal del músico. Muchos vibrafonistas de jazz alternan mazos disponibles en el mercado para conseguir el tono que quieren.
El mundo de los vibráfonistas pueden dividirse en aquellos que tocan con dos mazos, y los que tocan con cuatro. En realidad, la división no es tan clara. Muchos músicos cambian entre dos, tres y cuatro mazos en función de las exigencias de su situación musical actual. Por otra parte, concentrándose en el número de mazos que un músico tiene significa perder las diferencias más significativas entre los estilos de tocar dos y cuatro baquetas. A partir de 2008, estas diferencias no son tan extensas como lo fueron cuando Gary Burton introdujo por primera vez al mundo al estilo de 4 baquetas de la década de 1960, pero aún existen en gran medida.
El enfoque de dos baquetas es tradicionalmente lineal, como tocando una trompeta, por ejemplo. Los músicos de 2 baquetas suelen concentrarse en jugar una línea melódica única y dependen de otros músicos para proveer acompañamiento. La Doble parada (dos notas tocadas simultáneamente) se utiliza a veces, pero sobre todo como un refuerzo de la línea principal melódica, similar al uso habitual de dobles cuerdas en un solo de violín. En los grupos de jazz, dos baquetas son generalmente considerados parte de la "primera línea" con los trompetistas, contribuyendo solos de su cuenta, pero que aportan muy poco en el camino de acompañamiento de otros solistas. Músicos de Dos baquetas usan diversos agarres, y la más común es un agarre con las palmas hacia abajo que es básicamente el mismo que el agarre emparejado utilizados por percusionistas. Los mazos se llevan a cabo entre el pulgar y el dedo índice de cada mano, con los otros tres dedos de cada mano presionando los ejes en las palmas hacia abajo, hacia arriba. Se trata de utilizar una combinación de movimiento de la muñeca y controlar con los dedos el mazo.
Otro agarre popular es similar al agarre de las baquetas de timbal. Los mazos son de nuevo entre el pulgar y los dedos índice y controlar con los otros tres dedos, pero las palmas se llevan a cabo en posición vertical, mirando hacia el interior, una hacia la otra. La mayor parte de la acción viene de tiempos el control de los dedos la punta de los ejes. El músico tiene que prestar mucha atención a la utilización del pedal con el fin de articular limpiamente y evitar varias notas sonando sin querer, al mismo tiempo. Dado que las notas de timbre para una fracción significativa de un segundo cuando se golpea con la almohadilla del amortiguador, y barras de llamada no deja de sonar inmediatamente cuando fue contactado por la libreta, una técnica llamada “pedaleo retardado" es necesario. En esta técnica, el pedal se presiona ligeramente después de que la nota suene, en breve lo suficiente después de tanto que la nota continúa azotaron recientemente a sonar, pero el tiempo suficiente después de tanto que la nota anterior ha dejado de sonar. Otra técnica es amortiguador "medio" de pedaleo, donde se pise el pedal lo suficiente para eliminar la presión del resorte de las barras, pero no lo suficiente para que el teclado no pierda el contacto con las barras. Esto permite que las barras suenen un poco más largo que con el teclado por completo y se puede utilizar para hacer un rápido pasaje medio sonoro más legato sin pedalear cada nota.
Estilo de Cuatro baquetas
El estilo de tocar cuatro baquetas es multi-lineal, como un piano. "Pensar como un pianista, arreglador, orquestador y, el vibrafonista se acerca al instrumento como un piano y se centra en una forma multi-lineal de jugar." En los grupos de jazz, vibrafonistas de cuatro a menudo se consideran parte de la sección rítmica, por lo general en sustitución de piano o guitarra, y proporcionar el acompañamiento de otros solistas, además de ser ellos solos. Por otra parte, el estilo de cuatro baquetas ha dado lugar a un importante conjunto de solistas acompañantes. Un ejemplo notable es el rendimiento de Gary Burton de "Chega de Saudade (No More Blues)" de su álbum ganador del grammy de 1971 "Alone at Last”. Aunque algunos músicos hicieron uso de cuatro mazos, especialmente Red Norvo y, a veces Lionel Hampton, el enfoque pianístico de cuatro baquetas es plenamente, y casi en su totalidad creación de Gary Burton. Muchas de las técnicas fundamentales del estilo de cuatro baquetas, como jugar multi-lineal y las técnicas avanzadas de amortiguación que se describen a continuación, se aplican fácilmente a tocar con dos mazos y algunos músicos modernos de dos baquetas se han adaptado estos dispositivos a su forma de tocar, acabando con las diferencias entre los estilos modernos de dos y cuatro mazos.
El mango más popular de cuatro baquetas para vibráfono es la fuerza Burton, llamado así por Gary Burton. Un mazo se celebra entre el pulgar y el dedo índice y el otro se sostiene entre los dedos índice y medio. Los ejes cruzan en el centro de la palma y se extienden más allá del talón de la mano. Para intervalos de ancho, el pulgar se mueve a menudo entre los dos mazos y el mazo en el interior se lleva a cabo en el hueco de los dedos. También popular es la fuerza Stevens, nombrado para marimbista Leigh Howard Stevens. Muchas otras empuñaduras están en uso, algunas variantes de las Burton o Stevens, otras creaciones idiosincrásicas de los jugadores vibraciones individuales. Una variante común de las garras Burton coloca el mazo de fuera entre los dedos corazón y anular, en vez de entre el índice y medio.
Muchos músicos adaptan el "agarre estándar" por los diversos grados para adaptarse a su propia fisiología y expresión musical. Vibrafonistas de cuatro baquetas suelen tocar escalados pasajes lineales muy similar a los vibrafonistas de dos baquetas, utilizando un mazo de cada mano (fuera de la derecha y la izquierda en el interior para un mejor agarre, a lo Burton), a excepción de los “cuatro baquetas”, que tienden a hacer mayor uso de golpes dobles, no sólo para evitar cruzar las manos, sino también para reducir al mínimo el movimiento entre las dos filas de barras. Por ejemplo, una escala ascendente E, podrían desempeñarse LRRLLRRL, manteniendo la mano izquierda en las “notas negras” y la mano derecha sobre las "blancas". Para pasajes lineales con saltos, los cuatro mazos se usan a menudo de forma secuencial. El vibráfono se introduce en el jazz (sus principales intérpretes son Red Norvo, Lionel Hampton,Milt Jackson, Gary Burton y Bobby Hutcherson) y, desde los Estados Unidos, pasó al París bohemio, desde donde se extendió por toda Europa.
Una técnica ocasional en la llamada música contemporánea y en el jazz es el empleo de arcos de violonchelo para hacer que las láminas produzcan sonidos tenidos.
La Conga (también llamada tumbadora), es un instrumento de percusión membranófono, de un solo parche, desarrollado en Cuba.
Características y técnica
La conga se golpea solamente con las manos, sin ningún otro elemento percutor. Como la mayoría de los membranófonos latinoamericanos que han perdurado, su parche originalmente estaba hecho de cuero animal, pero actualmente se fabrica con plástico, lo que lo hace más resistente y le modifica sensiblemente el timbre. El ejecutante de congas puede tocar sentado o de pie. Es habitual que la conga se presente por pares sobre un trípode, como ocurre con los timbales, aunque también las podemos encontrar con un formato de tres, cuatro y hasta cinco congas (lo cual no es tan habitual).
Posee características similares, en cuanto a la forma, a los bongós, pero con una caja bastante más larga. Su técnica es notablemente diferente. Existen varios golpes:
Tono abierto
Tono ahogado
Tono seco abierto
Tono seco tapado
Tono bajo de palma
Toque de punta
Manoteo Talón-Punta (talón de mano-punta de dedos)
Glissando
En la escritura musical, cada uno de estos toques tiene un símbolo que los representa.
Tipos de congas Hay hasta 5 tipos de congas, que se diferencian por su tamaño y afinación, de más agudo a más grave:
Re-quinto: conga de cuerpo delgado de afinación aguda. Su función en la rumba es improvisar.
Quinto: conga de cuerpo delgado de afinación aguda.
Macho, 3-2 o Conga: de cuerpo mediano, se puede afinar de 2 formas: una es más aguda para poder tocar como tumbadora central en formato de dos o más congas; la otra es más grave para poder tocar únicamente esa tumbadora en la rumba.
Hembra o Tumbadora: afinación grave, su cuerpo es más ancho.
Re-tumbadora: es la más grave de todas, su cuerpo es más ancho que todas las demás.
La batería es un conjunto de instrumentos musicales, todos ellos de percusión, usado para muchas agrupaciones musicales.
Historia
Los instrumentos de percusión son considerados los más antiguos de los instrumentos musicales junto a los de viento. El origen de la batería radica en la unión, por 1890, de unos cuantos instrumentos: los tambores y los timbales, que surgen de África y China, los platillos, que derivan de Turquía y también de China, y el bombo, de Europa. Por entonces, se comenzó a popularizar en los bares estadounidenses.
En el siglo XIX los músicos románticos comenzaron a utilizar grupos («baterías») cada vez más grandes, que fueron utilizados a principios del siglo XX, en el cakewalk y otros estilos estadounidenses precursores del jazz. Antes de que todos los instrumentos fueran unidos y mientras su unión no era popular, eran tocados por varias personas (entre 2 y 4), cada una de las cuales se encargaba de alguno de los instrumentos de percusión. Pero las pérdidas durante la Primera Guerra Mundial afectaron a la alta burguesía, que solía contar con pequeñas orquestas privadas, y se vieron obligados a reducir el número de músicos, y en muchos casos éstos, sobre todo los percusionistas, aprendieron a tocar varios instrumentos a la vez. Con la invención del pedal de bombo (primero, de madera; después, de acero), en 1910, por parte de Wilhelm F. Ludwig, se permitió que casi toda la percusión pudiera ser tocada por un solo músico.
Composición de una batería
La batería está compuesta por un conjunto de tambores, comúnmente de madera, cubiertos por dos parches, uno de golpeo (en la parte superior) y otro resonante (en la parte inferior). Estos tambores pueden variar su diámetro, afectando al tono, y la profundidad, variando la sensibilidad sobre el parche de resonancia. Además la batería también es acompañada por los imprescindibles platos, y otros accesorios (tales como cencerro, panderetas, bloques de madera, entre otros). La batería se puede afinar con una llave de afinación y un sistema de capachos o lugs y pernos de afinación que tensan el parche Mientras más tenso el parche, más agudo el sonido, y viceversa.
Piezas
Bombo: usualmente tiene un diámetro desde 18” hasta 26”, y una profundidad de entre 14” y 22” aunque también se los encuentra desde las 16 pulgadas hasta las 28 pulgadas de diámetro. El más usado es el de 22×18”. El bombo generalmente se maneja con el pie a través de un pedal con una maza. También se puede manejar con un doble pedal, usando los dos pies que, comúnmente se conectan por medio de un sistema cardanico que activa la segunda maza, aunque existen diversos sistemas, incluso algunos de activación con el talon y la punta de los pies. El bombo posee la voz más grave y potente de todo el conjunto y, por ello, cumple una
función de cimentación básica en la interpretación.
Caja, tarola o redoblante: suele tener un diámetro de 14”, pero los hay desde 10” a 17”. La profundidad estándar es 5,5”, pudiendo variar desde 3,5” (piccolo) hasta 8,0”. A diferencia de los otros tambores, la caja posee una bordonera o conjunto de alambres que, colocada en contacto con el parche de resonancia, produce su vibración por simpatía y el característico sonido a zumbido de la caja. Su función es marcar los compases, lo que no impide que se use
libremente logrando cambios en la marcha y/o contratiempos.
Tom toms o toms: desde 6” hasta 15” de diámetro. Generalmente van montados sobre el bombo, pero si se usan más de dos, llevan soportes adicionales muchas veces los toms van sobre los pedestales de los platillos.
Tom base o tom de piso (goliat): desde 14” hasta 20” pulgadas de diámetro. Generalmente poseen patas individuales, pero algunas veces permiten ser anclados a un pedestal de platillo.
Platillos
Crash o Remate: platillo mediano de 12” a 20”. Se utiliza para dar énfasis en los pasajes musicales y para algunos ritmos.
Ride o Ritmo: platillo grande cuyo diámetro varía entre 17” y 24”, aunque hay marcas a modo de curiosidad que los fabricaron de 26" e incluso hasta de 32”. Los más comunes son los de 20” 21" y 22”. Muchas veces se usan para llevar el ritmo en sustitución del hi-hat.
Splash: platillo pequeño que varía de 5” hasta 13” pulgadas. Se usan para efectos especiales, comúnmente en pasajes de poca intensidad sonora.
China: se fabrican desde 10” hasta 22”. También existe el china-splash, de 8” a 12” pulgadas. Se usan para efectos. Su diseño es característico pues son colocados del revés. Tiene una cierta similitud de sonido con el crash.
Crash ride: platillo mediano-grande de 18”-20”. Hay gente que los usa como Crash y como Ride, y gente que los usa solo como Crash, debido a su mayor potencia.
Hi-hats, o contratiempos: sistema que consta de 2 platillos instalados en un soporte con pedal que permite que uno caiga sobre el otro haciéndolos sonar. Se fabrican de entre 10” y 15”, aunque se han llegado a fabricar incluso de 16". El más común es el de 14” y el de 15" pulgadas. Puede ser normal o edge (borde); este último consiste en que el plato que va abajo (bottom) tiene un borde corrugado que da un sonido mejor para ciertos géneros. Los Hit hats se puede tocar cerrado y abierto, usando el pedal.
También existen platillos de efectos como los cup chime, los bell, los chopper,spiral trash, china-splash, etc. con sonidos verdaderamente únicos y característicos.
La batería se toca con baquetas o con escobillas. Las baquetas varían según el material (madera, fibra o aluminio [ahead]), grosor, longitud, tipo y material de punta (de madera o de nylon, en forma de nuez u ovalada) y peso para tocar con mayor o menor rapidez, con mayor o menor intensidad, o con diferentes tonos en el caso de usar baquetas de punta de felpa, según las características de cada baterista.
Otros instrumentos que pueden ir en la batería son, entre otros:
La batería electrónica consta generalmente de parches virtuales, o pads electrónicos, similares a los de práctica (de material poco vibrante), que producen un sonido determinado y programable. Hay algunos modelos que permiten tocar encima de la música o de otros ritmos ya registrados anteriormente o ya incluidos en la caja de sonidos instalada en la batería electrónica. Muchas baterías ya llevan incluidos muchos sonidos para programar en los parches y no tener que incluir ningún instrumento más.
Las diferentes partes de una batería electrónica común son (en algunos tipos se pueden incluir más):
3 tom (normalmente 2 sobre el pad del bombo y otro al lado opuesto de la caja
1 bombo
2 platillos (crash y ride)
2 platillos de hi-hat (charles)
1 pedal para el bombo
1 pedal para el charles. Algunas baterías electrónicas incluyen un soporte normal de charles para montar ahí el hi-hat, al igual que las baterías acústicas, en lugar de un pedal.
Rack ("andamio" para montar los elementos)
En su mayoría, son baterías "alternas" que son utilizadas para ritmos contemporáneos electrónicos, son muy versátiles pero a veces, muy limitadas en cuanto a sonido afinación y sensación, ya que como lo hemos mencionado anteriormente, en general sus "parches" son electrónicos y de sonido programabable y por lo tanto no brindan respuesta ni sensación muy buena. En todo caso, hoy en día los fabricantes de baterías electrónicas disponen de muchas tecnologías que buscan homologar sonidos, apariencia y sensación al golpe, llegando incluso a tener sonidos que imitan diferentes tipos de maderas, sonidos diferentes en las áreas de los pads (imitando rimshots o golpes en la campana, centro y borde del plato, aleaciones de metales, y/o marcas en el caso de los platillos. También hay algunas que usan parches tradicionales y algunas híbridas o electroacústicas, que pueden usarse de ambas formas. Otra ventaja es que pueden ser fácilmente conectadas a una computadora, con lo que se pueden experimentar una infinidad de sonidos y es fácil de grabar. Hay bateristas, como Neil Peart de Rush y Rick Allen de Def Leppard, que usan kits con ambos sistemas.
Técnica
La manera de tocar la batería ha ido evolucionando con el tiempo, dado a que las necesidades de los bateristas cambian, y aunado a eso, la manera de encontrar sonidos diversos con sólo tomar las clásicas baquetas, es aquí, en donde inicia este interesante apartado.
En primer lugar cabe destacar que actualmente no sólo existen las baquetas de madera para tocar, sino que también hay escobillas o escobetillas, baquetones de goma o de fieltro, etc.
A la forma de agarrar las baquetas se le llama "grip". La forma sugerida de tomarlas es: 1.- Buscar en la baqueta en el que el rebote se de con mayor facilidad y tenga la mayor duración posible sin que el baterista aplique fuerza. 2.- Cerrar la mano, tratando de que quede un espacio para que la baqueta pueda pendulear fácilmente. A este espacio se le conoce como fulcro o fulcrum.
Se emplean movimientos de dedos, muñecas, codos y brazo, dependiendo de la distancia, fuerza y técnica de cada baterista.
En los últimos tiempos, se han adoptado los estilos del grip Tradicional y el Match grip, ya que su comodidad hace que sea el preferido de un gran número de percusionistas. El agarre tradicional y el match grip solo varían en la posición en el agarre de la mano débil del baterista, elegir uno u otro es cuestión de gustos más que de superioridad.
Baterista
Un batería o baterista es un músico que toca la batería.
Se asume que el mismo necesita tener coordinación, musicalidad y energía, ya que a menudo tiene que tocar a la vez varios elementos de percusión. El término percusionista usualmente se refiere a un músico que toca percusión académica (música clásica) o latina. Se denomina «baterista de estudio» o «de sesión» a los bateristas profesionales capaces de desenvolverse en cualquier estilo de música, además de estar preparados para interpretar la mayor parte de las obras musicales con unos pocos minutos de analizar la partitura maestra o una partitura de batería.
Es raro que el baterista no forme parte de las formaciones de música popular occidental del siglo XX con influencias norteamericanas (jazz, rock, hard rock, punk rock, blues, pop, heavy metal, etc.)
La marimba es un instrumento de percusión idiófono, de forma parecida al xilófono. Posee una serie de lengüetas de madera de distintos tamaños, dispuestas de mayor a menor, que se golpean con baquetas para producir notas musicales. Cada tecla tiene su propia caja de resonancia y el conjunto está fijo en un armazón con patas.
Origen
La marimba moderna es la conocida marimba cromática, desarrollada en Guatemala, a partir de la marimba diatónica local que tuvo su origen en el balafón que los africanos construyeron en América.
De las primeras marimbas que se tiene conocimiento es de las marimbas de aro o arco, consistentes en un teclado de madera de hormigo, colocado sobre un marco de otra madera (pino o cedro) con un cincho de tela que le servía al ejecutante para «colgársela» y poderla así tocar en forma portátil; tenía calabazas o tecomates que le servían de cajas de resonancia.
Posteriormente apareció la marimba «sencilla» que produce escalas diatónicas únicamente, con cajas de resonancia y con un teclado en donde ejecutan tres o cuatro personas (según su tamaño); este conjunto lo agrandaron agregándole una marimba pequeña que recibió el nombre de tenor, en la cual ejecutan dos o tres personas; fue así como se conoció el instrumento hasta inicios del siglo XX, en que aparecieron las primeras marimbas de doble teclado. Al par de marimbas sencillas (una grande y una pequeña) se les dio el nombre de «marimba cuache».
Los «puestos» de la marimba se llaman pícolo, tiple, centro armónico y bajo, comenzando por la parte más aguda y el tenor: pícolo, tiple y bajo de tenor. En la marimba grande se ha acostumbrado a tocar la primera voz de la melodía en el pícolo y el tiple, el acorde en el centro, y en el bajo la nota más grave del acorde con su respectivo cambio para evitar la monotonía. En el tenor se toca: en el pícolo y tiple, segunda voz y a veces segunda y tercera, a lo que los marimbistas llaman «llenos» y el bajo de tenor refuerza la primera, haciendo algunas veces contramelodia.
En la actualidad algunos marimbistas profesionales que ejecutan el instrumento a base del solfeo, hacen arreglos en los cuales cada ejecutante toca un papel distinto; esto ha venido a complicar la ejecución del instrumento, pero le da más encanto y lucidez.
Material
El Teclado: Las teclas de la marimba se hacen de una madera especial llamada hormigo Platymiscium dimorphandrum, según algunos Triplaris tomentosa (Polygonacaeae). Las característica principales que conlleva al uso en la fabricación de este instrumento musical son la facilidad de trabajar en ella, la dureza y resistencia a los golpes, y la producción natural de un sonido peculiar. Este tipo de madera además de ser utilizada en la fabricación de instrumentos musicales suele ser muy apreciada por los constructores de botes o naves marítimas de lujo porque a medida que pasan los años esta madera obtiene un color más brillante y una resistencia contra el agua y la carga. La construcción de las primeras marimbas fue de sólo escalas diatónicas (que son las escalas que producen los pianos, las melódicas o pianicas cuando únicamente se utilizan las teclas blancas) y se les dio el nombre de «marimbas sencillas». En ellas, para bemolizar un sonido (lo que los marimbistas llaman «transportar»), los ejecutantes pegaban una bolita de cera en un extremo de la tecla, bajándole así medio tono.
Las Cajas de Resonancia: Actualmente las cajas de resonancia se hacen de madera de cedro o ciprés, afinadas de acuerdo con la tecla y con una membrana pegada con cera en el extremo inferior, lo que permite el «charleo» o vibración que facilita la prolongación del sonido. La fabricación de cada una de estas cajas de resonancia conlleva un proceso muy parecido al de la guitarra.
La Tela: La tela utilizada para producir el sonido se adquiere de los intestinos de los cerdos a través de un proceso.
Las Baquetas: El material de estas baquetas es de madera de guayabo y hule específico, intentando buscar la firmeza del palo y suvidad del bolillo.
La Mesa: Se fabrica con madera común, puede llevar finos acabado y el nombre grabado en ella.
